Триллер — отзывы — стр. 179

Гарри и Баффи Фишер — семейная пара, некогда бывшая на вершине голливудской пищевой цепи, но ныне их слава померкла, а взаимоотношения зашли в тупик. Чтобы спастись от все более наступающего кризиса и депрессии, Фишеры решают устроить импровизированный медовый месяц в американской глубинке. Но внезапно их автомобиль ломается в пострадавшей от ядерных испытаний пустыне штата Юта и им приходит на помощь молодой человек по имени Бой. Дальнейший ход событий нельзя было предугадать даже в самом худшем кошмаре.

История картины «Дурная кровь» известного франко-голландского режиссера Джорджа Слуизера сложна, необычна и трагична, как и история исполнителя главной роли в этой ленте Ривера Феникса, скончавшегося в 23 года на самом пике своей карьеры и творческого вдохновения. Эдакий Джеймс Дин 80-х и начала 90-х годов, создатель образа хипстерского «бунтаря без причины» и просто сердитого нонконформистского молодого человека, Феникс пал жертвой собственного пагубного пристрастия к наркотикам, оставив после себя несколько по-настоящему знаковых и культовых картин, среди которых были «Мой личный штат Айдахо» Гаса Ван Сэнта, «На холостом ходу» Люмета, «То, что называют любовью» Богдановича и оставшаяся незаконченной ввиду смерти самого Феникса, а также огромного количества творческих разногласий между продюсером и режиссером «Дурная кровь» Слуизера, который эмигрировал в Голливуд в начале 90-х годов, сделал там римейк своей наиболее знаменитой картины «Исчезновение», но в американском кино так и не смог закрепиться, виной чему и был конфликт вокруг «Дурной крови», ставшей лучшей режиссерской работой Джорджа Слуизера вообще. Лишь спустя почти 20 лет фильм был окончательно разморожен, подвергнут окончательному монтажу и в 2013 году, в рамках очередного Берлинале, номинантом и лауреатом которого Слуизер был трижды, состоялась премьера и полная реабилитация данной ленты. Ривер Феникс словно одноименная птица возродился в этом фильме, ставшем, пожалуй, одним из самых интересных кинематографических открытий прошлого сезона.

Формально мистический триллер и постапокалиптический камерный нео-вестерн в духе «Дьявола песков» Ричарда Стэнли, но фактически философская психологическая драма и метафизичсеско-эзотерическая притча с привкусом Карлоса Кастанеды, фильм «Дурная кровь», стилистически настроенный также и на художественную волну «Пустошей» и «Дней жатвы» Терренса Малика, а также совершенно неожиданно подыгрывающий сюрреализму Терри Гиллиама, является историей не только столкновения и подавления одних индивидуумов другими, не только извечного конфликта между новым и старым, между отцами и детьми, но и мрачным и жестоким погружением в подсознание ради поиска своего Я. Фишеры, убегающие от своего прошлого в неопределенное будущее, отринув истинность своего настоящего, сталкиваются в пустыне Юта в лице Боя с фантомами и призраками, которые уже их не отпустят живыми и здоровыми не столько физически, сколь психически.

Фишеры в глазах Боя видятся олицетворением патриархальных устоев и традиций, презрения к тем, кто совершенно иной, изгой, не такой, как они, при том, что сами Фишеры, со своей померкшей славой, морально находятся с Боем на одном уровне. Гарри это рьяно отрицает, а Баффи все больше проникается чувством понимания и болезненной любви к одинокому парню. Потомок некогда изгнанных и убитых индейцев, Бой словно символ неизбежной расплаты следует мрачной тенью за Фишерами, стремясь их изменить и заставить любыми способами, даже самыми жуткими и противозаконными, раскаяться.

«Дурная кровь» — кино стилистически сдержанное, спокойное, без резких всплесков и излишнего ухода в излишнюю трагедийность. Лишь ближе к финалу страсти по-настоящему накалятся, а дотоле медитативный и неторопливый сюжет, полный созерцательных планов густой пшеницы песков и безоблачной синевы небес, прервется и станет жестким, достигающим резонанса и контраста. Однако именно этот резкий и подчас несоизмеримый жанровый переход из философии к жесткому триллеру, в котором главные герои изменяются до неузнаваемости, и делает фильм столь интересным, неординарным и непредсказуемым. В 80 с небольшим минут хронометража Слуизер в «Дурной крови» вложил все свои духовные терзания и творческие изыскания, создав крепкий образчик и качественного жанрового кино, пропитанного духом эпохи безвозвратно ушедших в небытие 70-х годов, и идеальный пример авторского кино без наличия нарочитой тенденциозности, претенциозности и провокационности, без изощренных спецэффектов вообще, а лишь полагаясь на умение владеть всеми методами режиссерского мастерства и яркую актерскую игру.

В «Дурной крови», помимо блестящего перформанса Ривера Феникса, зритель видит прекрасный дуэт Джонатана Прайса и Джуди Дэвис — харизматичных лицедеев, глубоко и насыщенно исполнивших роль семейной пары Фишеров. Гарри в исполнении Прайса предстает человеком жестким, почти авторитарным, стремящемся вернуть любовь своей жены Баффи, которую сыграла Джуди Дэвис. Но все его стремления выглядят если не смешными и карикатурными, то не всегда уместными, ибо не осталось в их жизни ничего более, что является связующим звеном отношений. Страсть, как и слава, быстро потухла, оставив угольки и зияющие раны в сердце.

Примечательно также то, что данный фильм стал одним из последних по-настоящему интересных в карьере и скончавшейся в 2013 году актрисы Карен Блэк, некогда блиставшей в «Пяти легких пьесах», «Беспечном ездоке» и «Великом Гэтсби», а в 90-х и нулевых годах ставшей сниматься в однотипном забористом трэше и даже парочке гомоэротических картин. И, несмотря на то, что роль в «Дурной крови» у Блэк не главная, а лишь второстепенная, хотя и очень запоминающаяся, данный фильм реабилиторовал ее в глазах зрителей. Впрочем, «Дурную кровь» можно назвать вообще своеобразным памятником и философским памфлетом всему американскому кино 70-х годов. Опоздавший на целых два десятилетия, фильм Джорджа Слуизера все равно не производит впечатление вырванного из контекста произведения. Это, в первую очередь, картина, идущая против всего мейнстримового течения, которая однозначно будет интересна всем синефилам.

Жанр определяет все, авторитарно диктуя условия для создания той или иной картины, в особенности если она даже не тщится притвориться чем-либо обособленно интеллектуальным и стоит лишь на своих двоих ногах(одна из которых намного короче другой, потому бех хромания объективно не обойдется) старомодной олдскульности и эксплуатационности. Жанр определяет все, учитывая, что в нынешних, далеко не самых вдохновляющих кинематографических условиях, когда такое понятие как «новизна» безвозвратно утрачено или умервщлено, границы жанрового кино без полутонов окончательно размыты, и подчас бывает совершенно не ясно не то, что вообще хотел сказать режиссер, но даже и то, в рамках какого из существующих жанров он свое заявление сделал. Примечательно в этом смысле увядание классического прямолинейного боевика, который ныне существует на стыке халтурной кровожадности почти без рамок и выходя в ряде случаев далеко за пределы даже родимой эксплуатации или же не менее халтурной, но куда как более безобидной постмодернистской бескровности, отчего суть жанра — подарить зрителю сперва летальную дозу адреналина, а потом откачать его через спасительный катарсис, в котором кишки «очень плохих» намотают на кулаки «очень хорошие» — стала невыразимо пустой. Экшен все больше превращается в карнавал трехмерной мультипликации, а битвы за справедливость все больше напоминают гомоэротическое порно с кровью.

Не сказать, чтобы печально известный американский трэшмейкер Джо Линч, успешно утопивший в свое время в натуралистичном ультранасилии вторую часть «Поворота не туда», от которой, впрочем, плевались лишь трезвенники да язвенники и она свою драйв-ин публику таки нашла, в своей третьей по счету полнометражной картине, «Эверли» 2014 года попытался внести определенные, исключительно семантические коррективы в простонаружный эксплуатационный боевик, но и все изыскания на почве сего жанра, успевшую быть рыхло взрыхленной всем кому не лень(хотя на ум, увы, приходят все те же на манеже Тарантино-Родригес-Айзенер), он основательно переработал, выдав в итоге бодрый в своей кровавости, хотя и крайне очевидный фильм о женской мести, которая в большинстве случаев бывает лишь двух видов: изысканно-жестокой или аморально лютой. Собственно, на пункте втором фильм Джо Линча сосредотачивается в большей степени, чем на первом, предпочитая игре намеков жуткую кровавую баню, во имя стыдливого сохранения минимизированной бюджетности разыгранную в четырех стенах. Не выходя за рамки герметичного пространства, Линч сперва сооружает, явно с помощью гастарбайтеров, а потом успешно разрушает нескладный сюжетный фундамент, заботясь не столько о естественности происходящего на экране, сколь об эффектности оного. Логика бездыханно умирает в первые полчаса, и вплоть до момента счастливого конца, который наступит даже быстрее, чем кажется, «Эверли» будет эдаким оммажем олдскулу, снятом с олдскульной же небрежностью, необязательностью, чуть ли не аматорской кустарностью, делающей в итоге фильм Джо Линча суровым, мрачным, извращенным, но весьма пустым творением с утилитарной функцией напускать побольше кишок, сделать из них фарш и потом из него же сделать калорийные бифштексы, предназначаемые для самой нетребовательной публики.

Впрочем, «Эверли» с самого своего начала и не предлагает зрителям никаких умозрительных истин(с интеллектуальным наполнением тут вовсе беда, если не сказать хуже — катастрофа сферического масштаба), доводя практически до абсурда все существующие жанровые архетипы. Бесспорно, «Эверли» разыгрывает в тесных рамках старомодного бэмувишного кино классическую историю возмездия, параллелей с рэвендж-муви самого разного разлива в картине хватает с лихвой, но лишь одними синефильскими игрищами сыт не будешь, но только лишь в них Линч знает толк и вкус, но не меру. И кажется, что дальше уже вряд ли будет лучше и все остальное действие экран будет заливаться лишь кровью, но оказывается, что хуже вполне может быть. Стоит только подождать чуть-чуть. И, хоть Джо Линч использовал на всю катушку драматургический метод единства пространства и времени, это совершенно не оправдывает весьма посредственный результат на выходе. Возникает явственное ощущение, что «Эверли», как и недавний «Саботаж», претендует лишь на то, что бы не столько пересмотреть каноны жанра(очевидно, что это уже невозможно, как не пытайся, а если и пытайся, то станет лишь еще хуже), сколь их тотально переизвратить, заменяя экшен, драйв, динамику, зудящие нервы бессмысленной бойней, а под правильной местью понимая то, что сама мстительница к финальному акту своей персональной греческой трагедии обязана окончательно свихнуться и стать ничем не лучше взбесившихся якудза, у которых хотя бы имеется какой-никакой, но кодекс чести и поведения, выпестованный веками и которому следуют даже самые отъявленные бесславные ублюдки. У крохотной, но очень яростной дамы с пушками с именем Эверли, которую успешно опустили на самое дно, пустив к тому же пару раз по тривиальному кругу секс-рабства, единственным моральным стимулом для выживания было лишь исключительное желание во что бы то ни стало искупаться в крови своих врагов. Но в итоге по заслугам получили все.

Кто-то любит подсматривать, а кто-то любит показывать. Кто-то любит открытые настежь окна, а кто-то прячется за семью замками восьми дверей, пряча свою приватность даже от самых близких. Кто-то обожает умирать, драматично лёжа бездыханным перед камерой, а кто-то любит убивать, снимая сладостные мгновения потухания жизни на эту камеру…

Привлекательная одинокая белая женщина Кэй Норрис переезжает в новую высотку с названием «Щепка», напичканную, как праздничная рождественская индюшка, камерами слежения. Правда, новую квартиру Кэй можно успешно назвать не самой счастливой, так как предыдущая её хозяйка сиганула вниз при очень странных обстоятельствах. Став объектом роковой страсти и одним из острых углов любовного треугольника, Кэй оказывается невольно втянутой в опасную игру загадочного маньяка.

Роман «Щепка» знаменитого американского писателя Айры Левина в сущности был ответом американской литературы британской, и скандальной книге английского анфанта Джеймса Балларда «Высотка». Но если достопочтенный Баллард создал антиутопию, повествующую о технократическом фашизме и дегуманизации, то склонный к мистицизму и сатире Левин написал предельно реалистический, обличительно жёсткий роман о перверсиях, начинающими доминировать над человеком в давящих урбанистических пейзажах. Ничего общего, кроме центрального образа живого дома, между этими произведениями нет; они глубоко полярны и полемичны друг другу.

Небезызвестный же Джо Эстерхаз, автор сценария к экранизации романа Айры Левина 1993 года режиссёра-ремесленника Филлипа Нойса, с буквой романа и вовсе поступил очень вольно, прочтя книгу по-своему, исключительно горизонтально. Убрав начисто наиболее жёсткие моменты, одиозные намеки и политические аллюзии, Эстерхаз в принципе создал красочный, но несколько апатичный фильм о трёх психопатах, объединённых общим страстным желанием неизведанного порока. Как таковая внятная и внезапная интрига оставлена на антресолях, и фильм является весьма типическим образчиком эротического триллера родом из лихих 90-х. Что не есть плохо, но и не есть хорошо ввиду вяжущей предсказуемости всего действа, эффектно разряжающегося эротикой и лишь ей одной. Субъективно Филлип Нойс пытался создать новую версию «Подглядывающего» Майкла Пауэлла, раскидав, причём крайне небрежно, по фильму маячки-намеки, отсылающие к той культовой ленте, но на большее режиссёра просто не хватило, и фильм скорее состоит из множества частностей, не дающих на выходе общности.

А частности эти тоже не очень многочисленны, между тем. Шэрон Стоун, играющая на сей раз роль настоящей жертвы. Раскрытая более чем полновесно тема конструктивного эксбиционизма, обструктивного вуайеризма и деструктивного триолизма. Нагота чувств, эмоций, предрешений. Тотально нарушенное священное американское право на частную жизнь. Образ зловещей высотки с миллионами глаз видеокамер. Большой Брат, реалити-шоу для одного и пип-шоу для каждого. Но как жаль, что все это сработало вхолостую, и фильм «Щепка» стал всего лишь одним из, а не единственным в своём роде, бездумно растратив весь свой потенциал, ничуть не уступающий «Основному инстинкту».

В то сладостно-прекрасное время, когда британский (впрочем, и не только он один) кинематограф 60-70-80-х годов наводнялся молодыми бунтарями, структуралистами, постструктуралистами и постмодернистами, уже вовсю творили Кен Рассел, Дерек Джармен, Питер Гринуэй, Кен Лоуч etc, Тони Скотт, в отличии от своего брата Ридли, уже успевшего снять «Дуэлянтов» с их отголосками кубриковского «Барри Линдона», и «Чужого», переосмыслившего традиции пятидесятнической и шестидесятнической сайфайщины, все ещё искал себя, пытаясь найти свой заветный ключ к недоступному ящику Пандоры кинематографа. Сказать по правде, что Тони Скотт был бунтарем и нонконформистом, или тем, кто с тщетой молился на алтаре французской «новой волны», невозможно ввиду тотальной размытости его тогдашних кинематографических опытов в коротком метре, тяготевших к некоей авторской аморфности и интертекстуальной рваности из мотивов Годара и Кормана, да и то отчасти. И тем не менее его режиссёрский дебют в полном метре, экранизация упавшего почти как манна небесная на Скотта одноименного романа английского беллетриста в жанре хоррора и мистики Уитли Стрибера, культовый фильм «Голод» 1983 года, не кажется по-настоящему творением из той частой категории дебютов, что лишь берут своим авторским напором, визуальным задором и кинотекстуальным креативом, ввиду своей очевидной цельности, внятности и тесного переплетения как с гораздо более зрелыми фильмами, и не только британского разлива, так и с философией, упирающейся голыми костями почти в Кьеркегора. Но лишь почти, ибо angst Скоттом заменен на liebe, tod, ewigkeit — это вечное проклятие бытия обреченных.

Однако при этом фильм чрезвычайно симптоматичен в своем точном улавливании основных кинематографических тенденций, а именно секса и насилия, все более врывающегося своей неистовой стихийностью во все жанры и стили, Секс и Смерть всегда были неотъемлемыми спутниками кинематографа, в 60-70-х и далее завладев им полностью, но в «Голоде» насилие утонченно, предельно манерно и совсем не тошнотворно реалистично, тогда как секс откровенен, но без излишеств, без всякой эксплуатационной шелухи при том, что он лесбийский, потный, кровавый. Скотт встраивает мотив «Вампирш-лесбиянок» Франко в структуру сугубо экзистенциалистского повествования, где все не есть таким, как должно казаться, а мир снов и марафеточные условности отменяют все правила реальности вполне по заветам сюрреалистов, авангардистов и прочих пуристов кинематографа. Учитывая каковым он был в 80-х: сентиментально расслабленным, буржуазно расплавленным, идейно расправленным — новая волна что в Штатах, что в Европе входила в канон, становилась общим местом. И Тони Скотт в своём дебюте довел тогдашнюю визуальную эстетику синтетики до перфекционизма, и лишь потом были «Жидкое небо» Славы Цукермана, «Декодер» Муши и прочие, где лишь форма превалирует над содержанием.

Хотя в сущностной своей плоти «Голод», обыгрывающий очень самобытно вампирскую тематику, тотально отвергая макабр Носферату и Дракулы, является не меньшей притчей, настоянной на религиозной закваске, чем и, к примеру, «Дурная кровь» Каракса, который явно кое-что почерпнул и из фильма Скотта для создания в своей киновселенной трилогии Алекса гнетущую вневременность. Впрочем, вряд ли является случайным, что ведущую роль в своём фильме Скотт отдал Катрин Денёв — одной из актрис-символов «новой волны» наравне с Фанни Ардан и Бриджит Бардо. Её Мириам отчасти зарифмована с Северин, Марион и Кэрол Леду; это образ-миф, плоть от плоти рока, того женского властвования, что не передашь словами. И сугубо виньеточная эротическая сцена между Мириам и Сарой перестаёт быть просто чистой эротикой; зритель будто наблюдает передачу опыта от европейской дивы к американской бунтарке, каковой была тогда Сьюзан Сарандон, чей образ как раз и проэкстраполировал в «Дурную кровь» Каракс, воплотив в героине Жюльетт Бинош эту дикую помесь порочности и незащищенности.

Роднит же Каракса и Скотта, «Голод» и «Дурную кровь» не столько тема внутреннего, сугубо психологического вампиризма, но и любовь, предстающая как благо и как самая худшая болезнь. Как единственный путь к вечности, но и как последнее наказание для той, кто по-настоящему никогда и не любил, но лишь использовал. Это тема Мириам. Вообще, «Голод» подобен наэлектризованной эротикой религиозной притче о том, что выживут только любовники, по формуле Джармуша, но лишь при условии полной сменяемости лиц. Даже бессмертные порой теряют свое право на вечность, ибо отжили, устарели. Мириам — та, что служит Богу, темному, зловещему и кровавому, но Богу, который её в финале карает за неутолимость её жажды; Джон — Иоанн — тот, что Богом дарован, в персонаже Боуи изначально записана матрица виктимности; Сара — та, кому дарована власть, новая Госпожа Тьмы. Которой владеет самый адский вид голода — не крови, но любви, которую ей теперь суждено искать постоянно, меняя как перчатки лица и любовников, её новых Джонов. Джонов Доу.

Американская семейная пара христианских миссионеров Рой и Джесси, возвращающаяся домой из фертильных странствий по градам и весям окраин родины Мао и всемирного ширпотреба, решает вместо быстротечного полета в уютном миддле скоротать свои деньки и ночи в трипе по Сибири на железнодорожном экспрессе. Впрочем, довольно быстро почти-радищевский путь не из Петербурга, но из Пекина в Москву трансформируется строго по хардкору, и Русь-Матушка вовсю отметелит Сэма-дядюшку.

Каким-то невообразимым чудом попавший в топ-лист 50 самых шокирующих фильмов в истории мирового кино по версии весьма презентабельного издания «Комплекс» наравне с — внимание! — «Некромантиком», «Адом каннибалов», «Августовским подпольем» и прочими веселыми творениями порнотрэша, горноугара и просто заднеприводной содомии, «Транссибирский экспресс» Брэда Андерсона на первый взгляд декларирует не слишком-то и оригинальную идею о том, что человек человеку никак не друг, а скорее самый злейший и отвратительный враг с уточнением, правда, национальной принадлежности оного.

Представляющий одновременный парафраз «Убийства в Восточном экспрессе» и «Поезда-беглеца», фильм Брэда Андерсона обманчиво многозначителен и глубоко ироничен, перманентно удивляя там, где в принципе следует ждать лишь вороха шаблонов и шелухи архетипов. Без них, безусловно, не обошлось, но при этом фильм Брэда Андерсона совсем не напоминает китчевый набор из чернушных подробностей натуралистичного бытописательства, ибо «Транссибирский экспресс» — это отнюдь не фильм о России глазами иностранцев; это фильм о самих иностранцах, для которых Россия и часть всемирной экзотики, и осколок советскости, и главное место для поиска приключений в духе «Хостела», куда фильм заворачивает ближе к финалу, разряжаясь парой отменных сцен отпетого садизма и ливнем пуль в поездатом пространстве, мчащемся сквозь снега и морозы куда-то, в исключительные пределы сумеречной условности, и к хэппи-энду, который нарочито смазывает реализм, подменяя его неизобретательным эскапизмом.

В этой картине о «плохих» русских, снятой «хорошими» американцами, русские антагонистической рисовки характеров как таковые поданы скорее в ключе своеобразного, но не дико клюквенного реализма, иногда искажаемого кривозеркальностью гротеска, ибо истинная опасность в картине исходит не от русских, а от самих иностранцев, вторгнувшихся по сути корысти ради(самой русской из всех символов русскости — пухлощекой розовенькой матрешке — в «Транссибирском экспрессе» уготована роль главного катализатора всего дальнейшего сюжетного повествования) в мир, для них чужеродный, а потому не приносящий никакого положительного профита, кроме как увеличивая с чрезвычайной неизбежностью список грешков.

Собственно, сам Транссибирский экспресс отыгрывает в фильме роль эдакой переосмысленной в духе жанрового кино традиционной птицы-тройки, груженной тем не менее не графьями-интеллектуалами, думы думающими о судьбах Руси, а битком набитый маргинальной многонациональной публикой, разношерстной цыганщиной, безликой и обезличенной. И нет, к сожалению, у этой новой железной птицы-тройки явных высоких целей. Ее движение — это стагнация, деградация и дегуманизация. Все и все тут приземленно и прозаично: как бы выжить, с кем бы выпить и как можно скорее бы уснуть самым пьяным и беспробудным сном. А кто не встречал на своем пути во время путешествия на поезде из любой точки А в любую точку В хамовитых проводниц? Кто не видал эти унылые гостиницы с обшарпанными обоями, запахом хлорки и стритрейсингом тараканов за стеной? Кто не знавал этих лиц, не отягощенных вопросами бытия?

Фильму на всем его протяжении отчетливо присущи моменты узнавания характерных деталей и черт современной российской глубинки, застывшей во временных неопределенностях. Вообще, определить точное время действия в «Транссибирском экспрессе» едва ли представляется возможным. Ясно лишь, что это век двадцатый. Осознанно в картине царствуют хронотопы безвременья, безнадеги, безысходности, и они действуют деструктивно буквально на всех и каждого, кого пожирает эта ледяная пустыня Сибири. К ней приспособиться, не будучи своим по крови, невозможно, и Роя, Джесси, Эбби и Карлоса так или иначе, но поджидает расплата. Кто-то расплатится своей жизнью, цена которой полгроша, а кто-то — своей душой, цена которой всего грош, однако в финале становится уже и не столь важно, что совершили герои, ибо каждый из них в той или иной степени оказался прирожденным убийцей, который, совершив почти безнаказанно первое преступление, на этом не остановится. Транссибирский экспресс прибыл в Ад, но для Роя и Джесси он сугубо свой.

Думала посмотрю обычный боевичок с Дуэйном Джонсоном, а в итоге это оказалась драма, да еще и основанная на реальных событиях.
Джон Меттьюс (Джонсон) владелец строительной фирмы, живет с женой и дочкой, но вдруг его сын от первой жены попадет в тюрьму из-за наркотиков и светит ему минимальный срок - 10 лет. А по сути пацан просто подержал посылку в руках, теперь из-за своей глупости минимум он отсидит 10 лет, а так как сдавать своих друзей сын не собирается, то он может сесть и на 30 лет. Отец никак не может этого допустить. Поэтому он идет к своему рабочему Дэниелу (Джон Бернтал), у которого прошлое связано с наркотиками. Дэниел не хочет помогать ведь он завязал и возвращение в тюрьму не входит в его планы. Но все же ради денег он решается помочь и Джон становится информатором, ради того, чтобы его сына выпустили из тюрьмы насовсем.
Мне понравился крутой Бернтал, отлично сыграл человека, который хочет начать новую жизнь и в конце проявил себя. Джонсон не такой крутой как обычно, он же всего лишь владелец строительный фирмы, так что никого не бьет :D Но с оружием все-таки немного побудет. Еще понравился актер, который играл агента Купера. Ну, Сарандон не особо впечатлила, стерва и стерва))) На один раз фильм пойдет.

Окрашенный кровью закат ложился тенистыми мазками на зеркальное пространство комнаты, в которой в страстном акте похоти переплетались тела мужчины и женщины. Воздух вокруг, пропитанный коксом и виски, был накален от секса, неумолимо приближался финал, апогей этого любовного танца, готовящегося обернуться танцем смерти, dance macabre. Оргазм охватил взмокшие тела, плоть готовилась к капитуляции, и сверкнул в золоченной полутьме нож, и кровь хлынула на белые простыни, и инстинкт убийства возобладал над инстинктом выживания и инстинктом самосохранения. Над всеми иными инстинктами, кроме жажды владеть её телом с тем, чтобы потом быть проглоченным этой дерзкой паучихой.

Совершенно не нуждающийся в излишних представлениях, эталонный в своём жанре эротического триллера «Основной инстинкт» Пола Верховена на первый взгляд с лёгкостью прочитывается как картина о безмерной, практически садистской власти женщин над мужчинами, о тотальной власти тела над разумом, о силе секса и слабости сильного пола. В сущности это так и есть, однако фильм намного более замысловат, чем может сперва показаться. Кэтрин Трэммел одинаково хорошо примеряет на себя роль палача и жертвы, объекта страсти и субъекта лжи в то время как сама она тот ещё мистификатор. Как и любой писатель, она рассматривает всех как своих прототипов, перенося в мир реальный собственные выдумки, и воплощая их подчас чужими руками. А что если все показанное в фильме всего лишь ещё один роман зловещей беллетристки, подчиняющей людей исключительно во имя своих целей? Полностью пустой от лирических отступлений и инфернальных сновидений, «Основной инстинкт» к финалу сам начинает напоминать не то алогичный сон недремлющего демона, не то отрывок из криминального чтива, поскольку загадка о жестоком секс-убийце оказывается неразгаданной, ибо сама Кэтрин, как основной демиург своей и чужой жизней, ещё не решила толком нужен ли ей больше Стрелок или нет. С самого первого, высказанного авторами вслух момента своей основной биографии (а про жизнь Кэтрин зритель знает не так-то уж и много) загадочная femme fatale была окружена пороком и смертью, и рано или поздно, но тьма должна была её поглотить. И обман стал её новым ликом, а литература — главным алиби. Но при этом в картине не только находит своё отражение тема разрушения стены между вымыслом и реальностью, но также раскрывается и идея женской самоидентификации, ведь Верховена гораздо больше интересует не Ник, с которым, впрочем, ассоциируют себя большинство мужчин (отдельно хочется упомянуть, что такая идентификация происходит почти со всеми классическими героями Майкла Дугласа), а Кэтрин, женский вариант Герарда из «Четвёртого мужчины», но лишь отчасти ввиду нарочитой синефильской наполненности ленты.

Так толком и не распрямив пружину детективной интриги в финале, Верховен в «Основном инстинкте» не только стремится создать эдакий откровенный вариант «Головокружения» Альфреда Хичкока, по сравнению с которым фильм Пола Верховена всего лишь пастиш, или перефразировать собственного же «Четвёртого мужчину». «Основной инстинкт» является тесно взаимосвязанным с «Бритвой» Брайана де Пальмы, и даже главное орудие убийства не кажется таким уж случайным. В далёком 1972 году итальянский мэтр хоррора Умберто Ленци выдал на гора джалло «Нож для колки льда», сюжет которого начинается с гибели родителей 13-летней Марты Колдуэлл. То же самое, гибель родителей, как известно, произошло в жизни и Кэтрин Трэммел, но если Марта психически сломалась, став немой, то Кэтрин стала лишь сильнее и опаснее. И чем не её отражение в кривых зеркалах Элизабет Гарднер? Её доппельгангер, боящийся своего Я и предпочитающий маски, новые имена, тающие личности. Верховен, взяв из довольно таки паршивого фильма Ленци часть сюжетного скелета, нарастил на него свою плоть, но сохранив в качестве эдакой синефильской подсказки нож для колки льда, который что в джалло Умберто Ленци, что в воплощенном мире сексуальных фантазий и фетишей Пола Верховена играет роль в сущности сугубо второстепенную, фрейдистскую. И густо смешав воедино Фрейда и Гегеля, Хичкока и Ленци, секс и насилие(а говоря словами Андрея Плахова об Эмире Кустурице, центральными темами творчества и Пола Верховена в том числе являются мачизм, брутализм и витализм), реальность литературной выдумки, влажные сны и тьму людских пороков, дешёвый пальп и высокий стиль, Верховен провокационно ответил на извечный вопрос: «Что хочет женщина?». Быть сверху, играть со своим любовником в игры страсти и не отпускать его ни на миг, держа не столько его сердце в своих окровавленных руках, трепещущее от предвкушения, сколь за член, покорный в этих же самых руках невинной дьяволицы. Любые инстинкты, кроме сексуальных, полностью атрофируются, и снова будет кровавый закат, и новый роман той, для которой все её книги это и есть жизнь, ибо в самой её жизни слишком много смертей. Ей придуманных, ей реализованных, ей написанных.

Увязнув в клейкой поверхности, бабочка отчаянно трепыхалась. Паук не замедлил появиться и толстыми лапками перевернул жертву, закатывая ее в кокон, полностью обмотав ее, чтобы спрятать в углублении стены, в предвкушении грядущего пиршества. (Тьерри Жонке, «Тарантул»)

После трагической и во многом необьяснимой смерти жены известный пластический хирург Артур впал в депрессию и, отправив свою единственную дочь Люсилль в заточение в странный монастырь, погрузился в омут одиночества и вероятного безумия, возникшего на почве утраты любимой. Но, вскоре после неудачной попытки суицида Люсилль, практически до неузнаваемости изуродовавшего ее некогда прекрасное и невинное лицо, Артур возвращает дочь в родные пенаты, создав для нее необычный кожный трансплантат, который медленно и неумолимо начинает трансформировать ее черты по материнскому образу и подобию. За Люсилль присматривает таинственная медсестра Джоан. С каждым днем жизнь этого странного трио становится все более порочной и греховной.

Известная в узких кругах заядлых БДСМ-щиков, весьма успешная постановщица ряда садомазо-порнографических авангардных короткометражек, венесуэльский режиссер Мария Битти, в 2009 году дозрела до своего полноценного режиссерского дебюта — фильма «Связанная», ставшего на выходе своеобразным логическим завершением художественных, кинематографических и идеологических изысканий Битти в ее предыдущих кинотворениях, включая и оставшийся вне пределов доступа ее действительный первый полноформатный дебют — фильм «Мальчик в ванной» 2006 года. Успешно прокатившийся по ряду крупных престижных ЛГБТ-фестивалей и кинофестивалей авторского авангардного кино, фильм «Связанная», тем не менее, ввиду определенной его специфики остался практически незамеченным широкой зрительской аудиторией, несмотря на великое множество достоинств, наличествующих в этой нестандартной, но весьма притягательной ленте.

В конце концов, может, так оно и лучше — умереть? Тебе никогда не хватало смелости покончить с собой. Он подавил в тебе всякую тягу к сопротивлению. Ты стал его вещью! Ты стала его вещью! Тебя больше не существует! (Тьерри Жонке, «Тарантул»)

Фильм «Связанная» является ни много ни мало фактическим перифразом культового скандального романа Тьерри Жонке «Тарантул» и неформальной его экранизацией, мотивы которого отчасти были использованы в малоизвестном фильме ужасов 2010 года «Жертва» режиссерского дуэта Мэтта Эскандари и Майкла А. Пирса, но в большей степени картина Марии Битти имеет немало общего по своей стилистике с самой заметной экранизацией этой книги — фильмом «Кожа, в которой я живу» Педро Альмодовара.

Можно говорить о том, что Педро Альмодовар при экранизации данного произведения успешно и ловко позаимствовал немало общих моментов из картины «Связанная», которая выглядит куда как более радикальным и мрачным творением, сюжет в котором, безусловно, не закручен лихо, однако на всем протяжении фильма в нем царствует мрачная безысходная атмосфера и дух порочной страсти и изысканного декаданса и авангарда. По сути Мария Битти в «Связанной» пытается встать на один уровень с знаменитым хоррором «Глаза без лица» Жоржа Франжю, без которого, по правде, не было бы и романа «Тарантул», и фильмов «Жертва» и «Кожа, в которой я живу».

Тебе хотелось вжаться в стену, уменьшиться до размеров насекомого, чтобы не было видно тебя, не было слышно твоего дыхания; стало понятно, как ощущает себя таракан, на которого вдруг направили луч яркого света. Да, тебе довелось стать не кем иным, как насекомым, пленником насытившегося паука, который оставил тебя про запас, для будущего обеда. Он захватил тебя, чтобы полакомится в полном спокойствии, когда у него проснется желание отведать твоей крови. (Тьерри Жонке, «Тарантул»)

Время действия в картине Марии Битти неопределенно, как и место. Рассказанная в фильме странная и во многом жуткая история порочной любви, в которой нашлось место как инцесту, так и лесбийской связи и намекам на Lamour de trois невольно приобретает оттенок аллегоричности, эстетствующего символизма, потому и ждать от сюжета ленты неожиданных и шокирующих поворотов не следует. Игнорируя основные законы большинства триллеров и фильмов ужасов, Мария Битти создала не столько явный прямой жанровый образчик, сколь очередное и крайне удачное полноформатное продолжение своих витиеватых короткометражек, восхваляющих женские игры в Доминатрикс и Раба.

Словно способная ученица Альберто Каваллоне, Педро Альмодовара и немецких киноавангардистов, Битти в «Связанной» намного превзошла своих учителей, создав камерный, чрезвычайно стильный, завораживающий своей атмосферой фильм, в котором грех и только он присутствует и он сладок от причиняемой горькой боли, от страданий и ощущений глубинной, атавистической и ирредентистической страсти, в многочисленных мирах которой живут все трое необычных персонажей данной ленты, прекрасно сыгранные актерским трио Жанны Лизы Домбровски, Сусанны Захсе, ярко исполнившей роль загадочной Джоан(классический тип «роковой женщины») и Ганса Писбергена, воплотившего в фильме роль Артура, героя, своими корнями уходящего в классические образы зловещих профессоров из хорроров класса В. Но при этом Артур в исполнении Писбергена является куда как более неоднозначным персонажем, нежели Ледгард Бандераса из «Кожи, в которой я живу».

«Связанная» — фильм, синефильски отождествляемый с «Кожей, в которой я живу» Альмодовара и «Глазами без лица» Франжю. и намного превзошедший ленту Альмодовара. Странное, нестандартное и порочное кино, которое будет без всякого сомнения интересно многим киноманам и ценителям авторского кино с явно радикальной и выходящей за рамки общепринятых норм начинкой. Кино для садистов и мазохистов, а также для всех, им сочувствующим.

Большой южнокорейский город, укрытый шёлковым покрывалом мятущейся ночи, неоновыми всполохами, хлопком снега. Город как живой организм, как голодный монстр, питающийся страданиями своих жителей. Ему нужно насыщение ежесекундно, неутомимый и неумолимый голод. И жертвы не заставляют себя долго ждать, насилие выплескивается наружу очередной бессмысленно жестокой кровавой баней, учиненной неизвестным охотником, не останавливающимся ни перед чем, не ведающим о жалости. Расчленённые тела невинных девушек, истерзанные детские трупы, купавшиеся в собственной крови и моче, невыносимые, необъяснимые страдания, застывшие посмертной маской на искалеченных лицах, боль, которую невозможно осознать и осязать, принять и простить. Город сводит с ума, высасывает, как вампир, остатки разума, и охотник, сызнова начинающий свою кровавую жатву, уже не одинок в своём кровожадном безумии, ибо по его следу идёт человек, который уже все потерял, и более терять ему нечего, кроме тех скромных остатков своей человечности, но и её скоро не будет вовсе. Город её сотрет, растворит в психоделической красоте своей неоновой кислоты.

Конечно же, южнокорейский режиссёр Ким Чжи Ун был далеко не первым в современном южнокорейском кинематографе, кто обратил свой острый режиссерский взгляд на тему праведной мести, каковой бы она не была в итоге чрезмерной в своей непоколебимой жестокости. Ко времени выхода самого провокационного фильма Ким Чжи Уна, картины «Я видел Дьявола» 2010 года, уже была снята небезызвестная «трилогия мести» Пак Чхан Ука, и казалось, что тема сама себя успела исчерпать, сожрать и переварить, и так называемый южнокорейский нуар уже не был способен сказать и показать что-то новое, смелое и объективно осмысленное, варясь в кипятке как симптоматичной голливудщины с ее лакированной конфликтологией, так и сугубо восточной философии, переведенной на рельсы мейнстрима.

И тем очевиднее становится, что «Я видел Дьявола» даже не стремится быть нарочито вписанным в этот канон, обладая порой неприемлемой авторской бескомпромиссностью, тягостной бесцензурной аудиовизуальной жестокостью киноязыка и, в конце концов, моральной неопределённостью, на выходе абсолютно не позволяющей принять чью-либо правду, тогда как о какой-либо Истине не стоит даже упоминать ввиду ее тотального неприсутствия в фильме. Её в фильме просто нет даже на сквозном, семантическом внутреннем фильмическом уровне, позволяющем прочитать ленту как психопатологическую притчу, а зрителю предлагается ассоциировать себя или с чудовищем во плоти, убивающем невинных с непритаенной озлобленностью и дикостью, или же с мстителем, идущем по следу этого маньяка и самому постепенно теряющем остатки человечности. В сущности Ким Чжи Ун напрочь отвергает привычный для всего западного и отчасти восточного кинематографа конфликт между Добром и Злом, размывая до илистого состояния и без того неровные границы между первым и вторым. Оправданная сначала месть, естественное во всех смыслах желание расплаты, дерзкое мечтание умыться чёрной грешной кровью нечеловека вскоре оборачивается против самого мстителя, который и так безгрешен не был. Где та граница между поиском справедливости и сумасшедшей, бесконтрольной бесчеловечностью? И есть ли эта грань вообще, если современный человек, по Ким Чжи Уну, больше зверь, чем разумное существо? И до какой поры этот внутренний зверь будет дремать? Ведь катализатором его пробуждения от этой плотной всеобъемлющей, зловещей и монструозной, липкой тьмы может стать все что угодно: от мелкой обиды до большой трагедии — не суть в общем-то важно ЧТО, но важно КАК потом будет поступать индивидуум, чьё бытие было грубо перечеркнуто, и то, что было ДО станет совершенно незначительным; всеми поступками и чаяниями, эмоциями и чувствованиями будет руководить это дьявольское ПОСЛЕ. После встречи с Дьяволом порой легко самому преобразиться в его подобие, и этого лишь он и добивался — перекроить человеческую природу, породить себе подобного, чтобы выплодить, высуществовать Ад на Земле.

Говоря же о сугубо жанровой принадлежности фильма Ким Чжи Уна, невероятно сложно втиснуть этот броский, гнетущий и тяжеловесно натуралистичный фильм в весьма узкие рамки специфического южнокорейского нуара ввиду его очевидной внежанровости, которой и добивался сам режиссёр, творя сугубо своё, аутентичное авторское высказывание о современном человеке, по отношению к которому неприменимо вообще такое расхожее понятие как «герой нашего времени», ибо «Я видел Дьявола» успешно подхватывает и основательно берет на вооружение культивирование Антигероя, начатое ещё пионерами французской «новой волны». Начавшись как среднестатистический детективный триллер, спустя некоторое время фильм будет пульсировать невыносимой психоделикой, а буквально каждый кадр будет дышать, захлебываясь, невыразимым, на уровне тотальной экзистенциальности, ужасом, которому будет сопутствовать кричащий в своей гипертрофированной кровожадности киноязык. Фильм мечется между маньяческим хоррором и жестокой притчей о двух нелюдях, которым есть что сказать и отрубить друг другу. И видя Дьявола в своём визави, непросто потом будет посмотреть в зеркало, уже истово опасаясь собственного отражения.

Мистический роуд-муви с тревожной музыкой и пылью.

Красивый и стилистически выдержанный рэтро-сериал. Начиная с изумительных и полностью подходящих по настрою титров. Впрочем, чего еще можно было ожидать от продукции HBO? Это ж они 'Клан Сопрано' в мир выпустили.

Сюжет: американская глушь, начало 30-х годов ХХ-го века. Мучимый страшными кошмарами парень живет со своей матерью на богом забытой ферме в ужасной глуши и нищете. Мать умирает, и парень волей судьбы – или, скорее, рока – пристает к бродячему карнавалу, некому шоу уродов, колесившему по просторам штатов. Тут-то нам становится ясно, что и уроды эти не так просты, как кажутся, и парень то ли проклят, то ли благословлен неким даром. И тут начинаются всякие мистические вещи, загадки, поиски себя и своего прошлого.

Главный герой – деревенский парень, которому снятся те же сны, что и полубезумному провинциальному священнику, который думает, что Господь с ним общается. Истории обоих происходят параллельно. Понятно, что рано или поздно их пути обязательно пересекутся. И тогда явно произойдет нечто значительное и зловещее…

Сюжет развивается неторопливо, почти медитативно. Персонажи, как и положено в хорошем мистическом сериале, прописаны хорошо, у всех есть некие тайны, открытие которые витает в воздухе в виде тревожного предчувствия.

К примеру, помните карлика из «Твин Пикса»? Тут он тоже играет, но одну из более главных ролей. Персонаж его очарователен, неоднозначен, как большинство героев, и добр – ну, или, по крайней мере, относится к положительным персонажам. Хотя тут сложно сказать, ибо герои, казавшиеся положительными, вдруг становятся зловещим и, реже, наоборот.

Главный герой – Бен, тот самый парень, о котором я писала выше, естественен в своем образе деревенщины с потенциалом. Он в поиске себя и сведений о своих родителей. Уж с этой ролью Ник Сталь справился на порядок лучше, чем с образом Джона Коннера в 'Терминаторе 3'.

Священник – его играет актер, запомнившийся мне по «Кладбищу домашних животных» – меня откровенно пугает. Тут вообще достаточно пугающих моментов. По атмосфере своей сериал чем-то напоминает «Потерянную комнату», наверное, это меня и подкупило с самого начала. Только больше секса и религии… Хм, какая смесь любопытная, прям ранний Мэрилин Мэнсон.
Развязка более чем неожиданная. Напряжение нагнеталось всё больше и больше, а потом... Не, не буду рассказывать. Лучше сами посмотрите. Не пожалеете, эстетическое удовольствие однозначно получите.

Хотя, конечно, одно замечание по поводу концовки у меня всё-таки есть. Красиво и всё такое, логично и всё в порядке, но скомкано. Изначально планировалось снять шесть сезонов, а в конечном итоге “Карнавал ' сняли с эфира после второго, вот и пришлось комкать финал. Эх, жаль... Но в целом мне отличный, необычный и качественный сериал.

Почему этот фильм не стал культовым?

Нет, правда: почему он не считается культовым? Здесь же есть все, что требуется: любовь, дружба, долг, предательство, месть и смерть. И, конечно же, прекрасные актерские работы. Быть может, картина и типична для своего жанра, но драматизма и правдоподобия ей не занимать.

Сюжет «Состояния Исступления» прост и в то же время довольно любопытен. Здесь с одной стороны соперничество двух мафиозных кланов Нью-Йорка – ирландского и итальянского, с другой – внутренний конфликт главного героя Терри, полицейского, работающего под прикрытием в своем старом районе, где прошло его детство и живет его лучший друг, его первая любовь и просто люди, знавшие еще его отца.

Шон Пенн в своем извечном, органичном репертуаре хорош. Он мечется, пьет и всячески показывает свои душевные терзания. При чем выходит у него это на редкость правдоподобно. За что я его и уважаю. Однако Пенна затмевает Гэри Олдман, который с легкостью крадет у главного героя весь фильм. Его Джеки Флэннери… Да, признаюсь, я в него влюбилась с первых же секунд в кадре… Это неистовый персонаж, живой, безбашенный и преданный. Всё, за что бы он не взялся, он делает с полной отдачей. Олдман всегда отличался особой харизмой, с этим трудно поспорить. Но роль ирландца Фланнери можно считать одной из его самых ярких. Так же стоит отметить Эда Харриса, играющего старшего брата Джеки. Его герой поставлен в более чем затруднительное положение и актеру в полной мере удается перенести это состояния на экран, заставляя зрителей почти сочувствовать ему, но в то же время испытывать отвращение…

Итак, «Состояние Исступления» - один из лучших фильмов начала 90-х, очень настоящий и захватывающий. Обязателен к просмотру не только для поклонников криминальных драм, но и просто для ценителей кино.

Сильный фильм, выворачивающий наизнанку.

Успешная и красивая деловая женщина Лиза Боэри, достигшая на поприще брокерства огромных высот, а потому обеспечившая себе на годы вперед уютное и безбедное существование, находит спасение от стрессов и напряженных переговоров в закрытом секс-клубе «Тульпа», в котором она развлекается на полную катушку, не отказывая себе ни в чем. Разнообразные сексуальные практики и эксперименты с каждой ночью все больше ее затягивают в омут страстей и порочных желаний, и неотступно по ее следам и следам ее партнеров идет неизвестный жестокий маньяк.

Третья по счету полнометражная режиссерская работа итальянца Федерико Дзампальоне, ставшего широко известным в мире синефилов и хоррорфанов в 2009 года благодаря жесткому гор-хоррору «Тень», фильм «Тульпа» 2012 года, впервые представленный в рамках кинофестивалей ужасов Night Visions и Лунд, представляет из себя не виртуозную и постмодернистскую стилизацию, а самое что ни на есть классическое и эффектное джиалло в лучших его традициях, в котором пропорционально и равноценно соблюдены все стилистические особенности этого по сути уже давно скончавшегося поджанра итало — хоррора.

Пожалуй, полностью ужасным и откровенно бездарным фильм Федерико Дзампальоне и не мог получится априори, ибо сценарий к этой картине написал никто иной, как Дардано Саккетти — знаменитый итальянский писатель и сценарист, некогда сотрудничавший с Марио Бава и Ламберто Бава над их наиболее заметными картинами, будь-то «Кровавый залив» и «Демоны«, непосредственно создавший культовую зомби-трилогию Лучио Фульчи, а также неоднократно и чрезвычайно успешно работавший с «Висконти насилия» и истинным Королем джалло Дарио Ардженто и не забывавший также об Умберто Ленци, Антонио Маргерити и Руджеро Деодато. Фильмы, созданные по его сценариям, уже давно обрели статус признанных культа и классики не только ужасов, но и триллеров и еврокрайма. И «Тульпа», прошедшая неожиданно незаметно по экранам Европы, имеет все шансы стать новой классикой жанра, являясь при этом не просто старательной ученической работой, а самобытным и самодостаточным представителем жанра ужасов.

По сути режиссер Федерико Дзампальоне, авторский потенциал которого все больше раскрывается с каждой новой картиной, предпочел, не изобретая в жанре нечто новое и нетривиально, мастерски обработать и переосмыслить под современную канву классические традиции жанра, сняв цельный и удивительно сдержанный фильм, который ничуть не уступает работам все тех же Ардженто, Бавы и Ленци, но отчасти отдалившись от эксплуатационной сущности джалло, который ведь был не более чем итальянской вариацией американских слэшеров. Актерская экспрессия сведена к минимуму и главные герои фильма, исполненные актрисой Клаудией Джерини и экс-комиссаром Каттани Микеле Плачидо, не есть марионетками в руках создателей; это живые и полнокровные герои, отличающиеся неоднозначностью и противоречивостью своей внутренней и внешней природы, герои, которым есть что скрывать и прятать от посторонних глаз.

При этом фильм нельзя назвать чрезвычайно архаичным и устаревшим; скорее наоборот — «Тульпа» на однообразном фоне кровавых массакр и испорченных детским рейтингом картин смотрится как достойный и добротный образец жанра, в котором зрителя будут ждать и изощренные по своей жестокости убийства, совершенные неизвестным и загадочным маньяком, и откровенная, но стильная эротика, продуманная детективная интрига с массой сюрпризов и воистину неожиданный финал. Нет в «Тульпе» и подавления стиля и формы над всеобщим содержанием; изысканная и красочная форма подачи сюжета присутствует, фильм до невозможности эстетичен в своих кровавых и эротических экзерсисах, однако форма не подавляет и не побеждает, оттого фильм являет собой пример внятного, интересного и просто очень непредсказуемого джалло-хоррора.

Конфликт антагониста и протагониста в картине и вовсе размыт. Зло не безымянно, но оно покрыто пеленой ночной тьмы и туманами сомнений и страхов, оно прячется за призывными неоновыми огнями запретного секс-клуба, который пробуждает дикие необузданные желания неконтролируемого эротического промискуитета, сметает все и всех. И нож обагрен ржавчиной крови и золотом спермы, и голова с плеч, и темнота-темнота-темнота что снаружи, что внутри…

«Тульпа» при всей своей принадлежности к славному желто-кровавому кинематографу остается и лентой авторской, лишенной, однако, совершенно артхаусной напыщенности и претенциозности. Это разыгранная в кровавых тонах симфония глубоко затаенных человеческих страстей и извращенных пристрастий, лишенный приторности и слащавости коктейль из эротического триллера, мощного напряженного ужаса и психопатологической драмы, глубокая и страшная история о сметающем все на своем пути основном инстинкте, противостоять которому не под силу никому.