Отзывы zzzloba — стр. 2

Удивительно, как легко дался молодому Михалкову этот тонкий, пронзительный фильм по популярной тогда пьесе А.М.Володина, снятый как будто случайно, буквально за два месяца в перерыве между съемками "Обломова". Минимум актеров, минимум декораций, всего пара квартир и вокзал; даже самому Никите Сергеевичу роли не нашлось, что, безусловно, обрадует многих его доброжелателей.

Главный герой фильма - этакий скоморох-неудачник, не вписывающийся в образ правильного и воспитанного советского гражданина. Ему везде тесно, он всегда готов спорить и доказывать, что он на самом деле счастлив, скрывая свои душевные раны за веселыми присказками и песнями. И за десятилетия жизни после войны, разлучившей его с любимой женщиной, он так и не нашел своего места в жизни. Ильин не заканчивает учебу, переезжает с места на место, меняет работу, бежит от одной женщины к другой, а встретив свою давнюю любовь, инстинктивно пытается убежать и от нее. “Я уйду минут на 15”, - говорит он одной. “В отпуске дня на три”, - говорит другой. Но благодаря названию зритель догадывается сразу, что стоит за этими будто небрежными фразами. Ильин не властен над своей судьбой, он готов пуститься на любую авантюру в своей пустой жизни. И он будто даже не задумывается, что своими действиями причиняет окружающим боль.

Тамара, напротив, живет правильно, племянника воспитывает строго, по науке. Может быть жизнь у нее тоже не удалась, но она не опускает рук и старается сохранять остатки гордости и принципиальности. При встрече с Ильиным она ведет себя холодно и всем своим видом показывает, что менять установленное течение жизни не собирается, погружаясь во мрак своей квартиры, словно в склеп.

Дальше...

Мы неизвестны, но нас узнают; нас почитают умершими, но вот, мы живы; в великом терпении, под ударами, в темницах, в бесчестии, в изгнании. Нас почитают обманщиками. но мы верны.

Неожиданно весьма достойный представитель жанрового кино в советском кинематографе. Конец 60-х в мире прошел под знаком "бондианы" с привкусом легкого разочарования в тех надеждах, которые возлагались на послевоенное общество. Ощущение несбывшейся свободы, темы "Холодной войны" и общемировой угрозы постепенно стали прорывать ширму в виде вестернов и мюзиклов на Западе, мультфильмов и комедий Гайдая у нас. На смену этим легким жанрам пришли азартные, но драматичные криминальные истории, в которых интеллигентные агенты разрушали хитроумные планы интеллигентных бандитов, философствуя в перерывах между погонями и перестрелками. Снять фильм про нашу разведку на основе реальных событий - это было очень смелым решением в 1969 году. И хотя, по отзывам самих разведчиков, в фильме слишком много вымысла, но все же он сыграл заметную роль в становлении жанра в советском кино. Достаточно лишь вспомнить, что всего через несколько лет на экраны выйдет культовый "Семнадцать мгновений весны", где многие сцены "Мертвого сезона" будут использоваться как образец.

А поставлен фильм действительно классно. События развиваются в нужном для нагнетания напряжения ритме, "пустые" черно-белые кадры, в которых зачастую присутствует только один герой, подчеркивают вынужденное одиночество наших разведчиков, сухость и безэмоциональность повествования абсолютно оправданы ситуацией, придает нужной атмосферы музыка, превосходно играют актеры. Особенно хорош Ролан Быков, который оказывается бессилен противостоять обстоятельствам и после постановок в детском театре готов рисковать своей жизнью в логове врага человечества. Посыл для 1969 года довольно прозрачный: героев войны можно было найти где угодно, на самых непримечательных местах; но даже пытаясь забыться в беспечном творчестве, они всегда были готовы прийти на помощь Родине в трудную минуту.

А вот с чем в фильме явные проблемы, так это со сценарием. Это, пожалуй, болевая точка всего нашего кинематографа. Количество нестыковок, недосказанностей, художественных условностей слишком велико для фильма, претендующего на отображение реалий жизни разведчиков. Причем первая половина смотрится отлично, а вот ближе к концу фильм скатывается в какой-то дикий бредовый экшен, на который к тому же сейчас без слез не взглянешь. А ключевая сцена обмена пленными вообще попахивает сельской самодеятельностью. Зачем вообще нужно было вставлять эту сцену в таком виде, если у вас вместо красивейшего Глиникского моста - кусок бетона через какую-то канаву в Подмосковье? Спасибо Стивену Спилбергу, который спустя многие десятилетия в "Шпионском мосте" снял эту сцену так, как того заслуживает эта история.

И все же фильм оставляет положительное впечатление. Во многом благодаря тому, что при всех своих минусах, он говорит о серьезных нравственных проблемах, не скатываясь в откровенную пропаганду. Локальная победа наших разведчиков одержана не над "тупыми американцами" или бездумным стадом фашистов. Противник показан достойно, и тем ценнее успех, тем больше гордости испытываешь за этого одинокого человека, которого совершенно не замечает шумная толпа, встречающая звездных спортсменов.

Человек, который сбросил бомбу на Хиросиму, тоже считал, что он исполняет свой долг.

"Готов ли ты идти до конца?"

Брайан Де Пальма, конечно, талантливый режиссер. Очень талантливый. Можно даже сказать великий. Я не могу припомнить, чтобы ещё кто-то с актерами и композитором такого уровня снял настолько паршивый фильм. С большой аккуратностью режиссер отдает дань уважения гангстерскому кино 80-х, фильмам жанра нуар, немой классике, эпичным вестернам, театральным семейным драмам и типичным американским комедиям, где карикатурный ботаник-бухгалтер через 5 минут после своего появления в фильме разносит банду матерых бандитов с дробовика. И если бы из этого длинного списка не было бы хотя бы последнего пункта, то фильм прочно бы вошел в число великих представителей жанра, а не остался бы одноразовой жвачкой в красивой обертке.

Почти про каждого актера "Неприкасаемых" можно наговорить кучу хорошестей. Кевин Костнер обладает какой-то магической харизмой и может привлекать к себе внимание, вообще ничего не делая в кадре. Отлично играет молодой Энди Гарсия, Де Ниро наводит ужас коронным прищуром и ухмылкой, а Шон Коннери вообще перетянул весь фильм на себя. Запоминается также главный злодей в исполнении Билли Драго. Почему главный злодей он, а не Капоне? Пожалуй, это ещё один большой вопрос к Де Пальме. Каким образом, а главное зачем, он умудрился сделать из Капоне идиота, несмотря на игру Де Ниро, а десятистепенного наемного убийцу превратить в гения перевоплощений и олицетворение зла - для меня большая загадка. Видимо, только идиот может иметь деньги и власть, а настоящий герой должен погибнуть смертью храбрых за выдуманные идеалы.

Фильму категорически не хватает искренних, нешаблонных и не театральных сцен, таких, как например встреча двух главных героев на мосту в начале. Или напряженных сцен, как шикарный эпизод ожидания на вокзале, снятый в лучших традициях саспенса. Зато с избытком нелепых перестрелок, в которых пули попадают только в злодеев, и голливудских семейных соплей, вставленных в фильм в лучшем случае для галочки. Ведь мы же все знаем, что настоящая работа системы правосудия начинается не в тот момент, когда совершается преступление, а когда в участок приходит заплаканная женщина, потерявшая дочь.

А основную нравственную дилемму, подающуюся как откровение, избили уже настолько давно, что даже стыдно сравнивать этот фильм с "Крестным отцом". Именно там тема жизни по чести ценой преступления против общепринятой морали раскрывается во всей полноте. Герой Костнера же хоть и живет согласно высоким нравственным идеалам, но так и остается верным псом системы правосудия, о чем ему тонко напоминают в финале. Аль Капоне повержен, но власти решают отменить сухой закон, чем подчеркнут бессмысленность всех усилий "неприкасаемых". Костнер обещает напиться, и этот тот редкий момент, когда веришь ему безусловно.

Фильмы Эльдара Рязанова никогда не вызывали у меня особых восторгов. Если не вдаваться в подробности, то главным их недостатком я считаю отсутствие собственного оригинального стиля. "Берегись автомобиля" в этом смысле - очень яркий пример. В попытке сыграть на том, как представитель закона постоянно сталкивается с нарушителем и вот-вот должен обо всем догадаться, чувствуются классические приемы нагнетания саспенса от Хичкока. Только вот никакого саспенса в фильме Рязанова нет, он снимает скорее ироничный детектив, чем серьезный. При этом ирония получается очень мягкой и слегка глуповатой, потому что опытный следователь косит под дурачка и не замечает очевидных вещей вокруг себя. Казалось бы, это должно быть смешно, но с юмором абсурда тоже какие-то проблемы и развлекательное кино заставляет откровенно скучать. Ночная жизнь героя, раскрывающая патологическую двойственность человеческого характера, могла бы стать кристаллизовать вокруг себя добротный нуар, но для этого не хватает атмосферности и эстетики кадра. Ну а финальная сцена суда совсем уж отдает сельским Голливудом. В это блюдо добавляются ещё несколько типичных беспроигрышных ингредиентов (Шекспир, детские приюты, разоблачение мошенников-капиталистов, романтизация преступности), что делает его ещё более хитовым, но безвкусным. А тема алкоголя, который подается как универсальный сближающий фактор, как и в некоторых других фильмах Рязанова, вообще вызывает большие вопросы. А потом мы виним Запад за то, что они нас незаметно спаивали, ну-ну.

Из явных плюсов, как и в большинстве других советских фильмов - актерская игра. Превосходно играют Иннокентий Смоктуновский и Олег Ефремов, свои фирменные фразочки исполняет Папанов, а Миронов кажется всю жизнь занимался подпольной торговлей. К сожалению, актеры оказываются так сильно зажаты в сценарные рамки, что кроме главного героя толком никто не раскрывается. Что же касается самого Деточкина, то его мотивация также вызывает сомнение. Вместо человека с открытым сердцем и душой ребенка получился эгоистично-болезненный тип, который плюет на родных и всех окружающих, в том числе на следователя, проявившего к нему сочувствие, а свои незаконные действия оправдывает высокими идеалами. Вот и получается, что человеку с добрым сердцем можно творить правосудие самостоятельно, а чужое имущество брать хоть и нельзя, но если сильно хочется, то можно. Сомнительная философия.

Удивительный мультфильм. Казалось бы, совершенно детский и наивный, лишенный тягостных нравоучений и тяжелых характеров, но такой близкий любому взрослому! И не только потому, что окунаясь в фантазию Миядзаки, мы, глядя на храбрую 13-летнюю ведьму Кики, вспоминаем свои первые самостоятельные решения, первую любовь, первые трудности и первые подвиги. Все это уже пройдено, пережито, мир чудес остался в детстве и лишь изредка показывается из-за ширмы разочарований, а жизнь уже показала свое равнодушное лицо. Но в замечательную и очень милую детскую сказку Миядзаки незаметно вплетает такие важные для любого взрослого вопросы осуществимости мечты, самоопределения, природы своего таланта, и, наконец, цели в жизни. Из всех ведьминых навыков Кики освоила только полет на метле, неужели этого достаточно, чтобы жить самостоятельной, взрослой жизнью?

Дальше...

Тяжело объяснить привычными словами свое отношение к этому фильму. Восхищение, восторг? Кайф? Как-то это мелковато. Поэтому я попробую подойти с другой стороны к этому вопросу.

Вы помните, кто это?

Это мальчишка, который появляется на экране всего на пару минут. Персонаж десятого плана, у которого даже нет имени и который не скажет ни одной реплики. Но этот взгляд и всю сцену с ним целиком запоминаешь на всю жизнь. Это один из тех магических моментов, когда музыка Энио Морриконе и бесконечно замедленный кадр Серджио Леоне сливаются в нечто грандиозное, когда на экране не происходит абсолютно ничего, но оторваться от него выше человеческих сил. И на таких больших сценах с парализующим апогеем строится весь фильм. Причем, чем ближе финал, тем быстрее кровь застывает в жилах. Каждый кадр, каждый шаг и даже каждый взгляд наполняются таким напряжением, что растворяешься в этом пространстве полностью, забыв о том, что это всего лишь кино.

Серджио Леоне удается соединить сказочность и юмор ("Once upon a time...") с суровой эпичностью, скупые мужские диалоги о чести и пулях с трагичной историей красавицы, выехавшей в город невестой, а приехавшей вдовой. И почти ни о ком из героев мы не знаем всей правды, в их историях всегда остается некая недосказанность. Истинные мотивы поступков главных героев долгое время остаются неясны, даже имена придумываются по ходу дела ("Гармоника"). И тайна, которая окружает персонажа Бронсона, оказывается настолько привлекательной, что ради нее можно даже рискнуть жизнью.

А что же остается в финале? Герои уходят в прошлое, выстроив фундамент для новой жизни и оставив после себя легенды. Но старые раны не затягиваются, а значит уйдут не все. Совсем скоро здесь будут ходить поезда и процветать торговля, а сейчас... развевающиеся плащи, песок, капля пота на лице, стальные взгляды. Камера отъезжает, охватывая все больше пространства, но в кадре есть место только для двоих. И для музыки. Гениально.

"Когда я вижу тебя, мое сердце разрывается на куски. Я сжег твой дом, убил твоих родителей, а ты так смотришь на меня. Смотри на меня с ненавистью, мне так легче это выносить".

Трудно выразить свой восторг этим фильмом Акиры Куросавы. Откуда в 75 лет такая энергия, такой эпичный замах, как, черт возьми, он это делает!? История взята из пьесы Шекспира "Король Лир", но изумительно правдиво смотрится в декорациях средневековой Японии. Здесь чувствуется Шекспир, особенно в сценах с шутом ("Cкажи мне бред, а я скажу тебе правду. Посмотрим, кто победит"), но самые мощные сцены фильма - это сцены битвы, осады замка, бесчеловечного кровопролития и ада войны. За все 3 часа интерес не пропадает ни на секунду, и это ещё один феномен, присущий всем фильмам Куросавы. Не видел ранее ничего подобного. Да и вряд ли когда-нибудь ещё увижу.

Несмотря на неспешность, фильм очень насыщен событиями. Мирное время заканчивается, когда отец решает поделить замки между своими сыновьями. И лишь не боящийся показать своего лица Сабуро предупреждает отца, что борьбу за власть они впитали с молоком матери, а он просто "старый дурак". И Сабуро оказывается прав, братья устраивают резню, а отец сходит с ума в объятом огнем замке. От вида сумасшедшего старика, некогда великого правителя, бредущего с тупым взглядом через толпы своих бывших солдат и "горы" нынешних, становится не по себе. Надо видеть, как потрясающе это снято. Неудивительно, что азиатский фильм получил 4 номинации на Оскар - большая редкость!

Но не одержимые страстями князья вызывают уважение, а их незаметные помощники: талантливые полководцы, дальновидные политики, смелые и преданные бойцы, высказывающие все в лицо, но идущие со своими командующими до конца. Как в знаменитом романе о белом ките, тонет "Пекод", но команда не сбегает с корабля, а идет в последний бой со своим сумасшедшим капитаном. Умирают все, на войне нет места справедливости и прощению. Остается лишь слепой человек в разрушенном замке, стоящий на краю обрыва. Разве можно найти более подходящий образ, чтобы объяснить войну?

Лучший фильм Вуди Аллена, на мой взгляд. Абсолютный шедевр в духе лучших абсурдных комедий братьев Маркс и Монти Пайтонов. Особенно приятно то, что пространство фильма - это пространство классической русской литература 19 века, а за основу взят сюжет самого главного русского романа, "Война и мир". Главного героя, как обычно мечущегося труса и интеллектуала, играет конечно сам Вуди Аллен, и он категорически отказывается участвовать в войне с Наполеоном. Но, как и в "Бананах" его неизбежно затягивает во все возможные сюжеты русской культуры, включая дуэль, тюрьму и расстрел. Не забывает он и о любви к Соне, блестяще сыгранной Дайан Китон, которая в лучших традициях загадочной русской души ищет настоящую любовь и спит со всеми подряд.

"Да, Леонид, я знаю что была тебе не лучшей женой. Могла бы быть добрее к тебе, чаще заниматься с тобой любовью. Хотя бы один раз".

Очень смешной фильм, дерзко срывающий все наслоения пафоса с классической литературы. Удивительно, как Вуди Аллену удалось так хорошо изучить наших классиков и культуру, но попадания стопроцентные и оригинально обыгранные, чего почти никогда не бывает в американских фильмах о России. Герои рассуждают о пшенице и страданиях, перечисляют все романы Достоевского, едят снег и ходят по театрам. К этому фильму ближе всего, по-моему, определение "Смысл жизни по Вуди Аллену", хотя шедевр Монти Пайтонов появился немного позже. Искать глубокие смыслы здесь необязательно, зато можно получить громадное эстетическое и интеллектуальное удовольствие от юмора (местами даже очень пошлого) и жонглирования главными идеями русской философии.

- Ты был моей величайшей любовью!
- Вообще-то я уже умер.
- И каково это?
- Каково? Помнишь цыплят в ресторане Трескова? Так вот это ещё хуже.

"Я развелся потому что моя жена бросила меня ради другой женщины. Не знаю, по-моему я воспринял это довольно стойко. Я попытался задавить их обеих машиной".

Говорят, комедия - самый сложный жанр в кино. Если это так, то Вуди Аллен - самый гениальный режиссер. Потому что количество отличных комедий с его участием в качестве актера\сценариста\режиссера превышает все допустимые нормы. А в расцвете творческих сил он способен рассмешить любого. Проблема в том, что расцвет его творческих длится уже почти 40 лет и не собирается заканчиваться.

"Если бы она ещё раз сказала Берхман, я бы вышиб ей контактные линзы".

"Манхэттен" - это своеобразное подведение итогов жизни и творчества, когда кажется, что лучшая часть жизни уже позади, но ещё хватает смелости посмеяться над собой. Сюжет незамысловатый: люди сталкиваются как бильярдные шарики, влюбляются, ссорятся, расходятся и сходятся снова. И так до бесконечности. Правда в отличие от создателей паршивеньких сериалов, настоящий мастер всегда знает, где нужно остановиться.

"Когда тебе будет 36, мне будет 63. Ты будешь в расцвете сексуальных сил. Ну конечно, я наверно тоже. Я немного задержался".

Фильм подкупает своей легкостью и непринужденностью. И какой-то парадоксально удивительной жизненной силой, поскольку состоит из самых несущественных эпизодов. Мимолетные диалоги, встречи на выставках, в кино, серьезные разговоры о Бергмане, смысле жизни и оргазмах... Очень редко встречается кино с такой свободой самовыражения.

"Мой худший оргазм был, когда я испачкал деньги".

- А что говорит твой психоаналитик?
- Он в коме после неудачного приема ЛСД

Но именно такие незначительные эпизоды чаще всего врезаются в память. Комический герой Вуди Аллена, в котором он безусловно видит самого себя, соткан весь из таких эпизодов. Он полон претензий к жизни, он постоянно чем-то недоволен, он цинично воспринимает отношения и не верит в чувства. Как замечает его подруга, он переносит свои личные проблемы (и не только в постели) в области глобальных философских концепций. И за всеми размышлениями о Бергмане и Фрейде чуть не теряет главное счастье в своей жизни.

- По-моему 17 лет не так уж мало. Кроме того, она умная девочка.
- Да, могло быть и хуже. И у него бывало хуже!

Недаром "Манхэттен" считается одним из лучших фильмов Вуди Аллена. В нем он полностью соответствует главному принципу комедии, заложенному его любимыми братьями Маркс - это темп. Персонажи выпаливают диалоги как из пулемета, шутки сыпятся градом, а промежуточные сцены сделаны только для того, чтобы перевести дух.

"Вы знаете, который час? Если я не посплю 16 часов, я труп".

"Ты говоришь, что хочешь написать книгу, но вместо этого ты покупаешь порш. Ты немножко обманываешь Эмили, ты немножко морочишь меня. А там глядишь, ты стоишь перед Сенатской комиссией и называешь фамилии своих друзей".

И только один персонаж не участвует в этом потоке юмора и интеллектуальных рассуждений - 17-летняя девочка, искренне влюбленная в главного героя, так похожая на героиню из "Сладкой жизни" Феллини. Только после ее фразы "ты должен немножко больше верить в людей" он не находит слов для ответа. Темп останавливается, назад уже не вернуться. Вдали виднеются очертания города, играет мелодия Гершвина... Ведь 6 месяцев это не так уж много, если любишь по-настоящему?

"Какой закон гласит, что женщина - лучший родитель лишь по природе своего пола?"

Семейная драма с очень простым жизненным сюжетом: родители расходятся - ребенок страдает - родители страдают и судятся - родители сходятся. Вся оригинальность этой истории состоит в том, что с ребенком остается не мама, как это обычно бывает, а папа. Причем папа, который большую часть времени проводил не с семьей, а с работой. Но с другой стороны, так было нужно, потому что мама не работала. А мама не работала, потому что у нее была то-ли депрессия, то-ли творческий кризис. А кризис у нее был из-за того, что папа от нее чересчур отдалился и уделял ей мало времени. Разматывать этот клубок типовых семейных отношений можно до бесконечности. И если изначально зрительские симпатии, безусловно, на стороне Теда Крамера, а жена воспринимается не иначе как эгоистичная расчетливая стерва, то после ее исповеди в суде все становится не так однозначно. Герои действительно меняются: Тед все чаще уделяет внимание сыну, срываясь с рабочих совещаний на родительские собрания, стерва-мать постепенно учится находить в нем (и, что немаловажно, в себе самой) лучшие черты, и даже сын учится быть самостоятельным.

Центральной, и, пожалуй, единственной по-настоящему выдающейся сценой, является сцена в суде. Родители, не умевшие сказать друг другу самых важных вещей, выслушивая малоприятные вещи со стороны соревнующихся адвокатов, вдруг начинают понимать друг друга. Причем понимать где-то на уровне взглядов, незаметных кивков и неловких улыбок. И если Дастин Хоффман играет просто великолепно (заслуженный Оскар), то Мерил Стрип играет гениально (более чем заслуженный Оскар). Сложность ее роли в том, что будучи выдающейся актрисой ей приходится играть актрису не очень хорошую, произносящую заученные фразы и давящую на жалость к материнским чувствам фальшивыми слезами. То, что это не более чем актерство, раскрывается в ее ответах адвокату Теда, когда в каждом предложении она говорит только о себе и своих чувствах, а также в ее искреннем раскаянии после суда.

Но, пожалуй, самый яркий итог этого судебного процесса не сближение четы Крамеров, а реакция их соседки, матери-одиночки, хорошей подруги семьи. После суда она решается восстановить отношения со своих бывшим мужем, понимая тяжесть и нелепость ошибок молодости. Кто бы не был виноват, все ещё можно исправить. "Ты выглядишь потрясающе", - говорит Тед Крамер в последней сцене. Лифт закрывается, осторожно: посторонним вход воспрещен.

Странно, что многие считают этот фильм устаревшим, хотя по сути основные линии фильма переосмысливаются до сих пор. Да, вся эта бутафорская кровь и театральные перестрелки выглядят довольно нелепо, но ведь по-настоящему фильм раскрывается совсем не в экшн сценах, а в том, что происходит между ними. Как и во многих других классических вестернах, главной темой в "Дикой банде" является излом эпохи, противостояние старого и нового мира. Банда благородных разбойников грабит банки и поезда, другая банда наемных мерзавцев охотится за их головами, а руководят ими два стареющих матерых волка, Пайк и Торнтон, некогда бывшие хорошими приятелями. И даже когда объявлена цена за голову жертвы, между ними как будто сохраняется чувство взаимного уважения. Чего не скажешь о молодых членах банд, которым нет дела до бесконечного стариковского "бега на последнем дыхании" в поисках поэзии жизни вне закона и вечной борьбе двух достойных противников (мотив, который уже в наше время беспощадно разобьют братья Коэны в "Старикам здесь не место"). Они открыто посмеиваются над стариками, им нужны только деньги, причем если в свободной банде Пайка ещё сохраняются понятия о чести и взаимопомощи, то в снаряженной властями банде Торнтона действуют одни ублюдки-стервятники, готовые устроить перестрелку посреди оживленной улицы.

Весь остальной мир также постепенно сходит с ума. Эпизодически мелькают власти, шантажирующие Торнтона тюрьмой и соблазняющие ублюдков деньгами. Абсурдная кровавая революция с участием колоритного мексиканского генерала, расстреливающего из пулемета как из игрушки половину своей деревни, вызывает не просто отвращение, а желание всадить в него самого десяток пуль. Пайк с ребятами грабит банк без единого выстрела, таким же образом планирует дерзкое ограбление поезда. Но чем ближе столкновение с "дикой бандой" генерала Мапаче, тем жестче становится повествование. Юмор и театральность уступают место напряжению и эпичности, взгляды становятся жестче, а слова превращаются в пули. С тем, кто убивает и цинично торгует людскими жизнями, не будет никакого компромисса, и это ясно даже тогда, когда Пайк соглашается работать с Мапаче. У генерала целая армия, у Пайка лишь трое его преданных товарища. И все же он начинает свой бессмысленной бой, как будто бросая вызов всему этому сумасшедшему миру, лишенному чести и хоть какой-то морали. В этом же году в другом культовом вестерне точно так же поступят Буч Кесседи и Санденс Кид, окончательно подводя печальный итог 60-х годов, эпохи "безумных Пьерро" и "беспечных ездоков".

Не могу сказать, что был сильно впечатлен этим фильмом. Все же главные сцены "Бен Гура" строятся на экшене, зрелищности и развлечении, а не на каком-то внутреннем напряжении или играх разума, а потому с каждым годом все больше устаревают. Нет здесь примеров гениальной актерской игры, при всей моей любви к Чарлтону Хестону за "Планету обезьян". Нет здесь сложных душевных метаний, все герои ведут себя довольно прямолинейно. Даже сам Бен Гур заявляет о том, что "Этот человек (Иисус) вынул меч из моих ножен", только когда месть всей его жизни свершилась. Да и самого сына Божьего мы увидим только со спины, хотя этот прием можно как раз-таки отнести к несомненным плюсам: известный библейский сюжет не возвеличивается и не ставится в центр повествования, а лишь преломляется в бытовой жизни иудей и римлян.

И тем не менее, фильм действительно легендарный. Проекты такого масштаба за всю историю кино можно пересчитать по пальцам одной руки, а в последний раз подобное случалось аж 15 лет назад, когда Питер Джексон снимал заключительную часть "Властелина колец". Даже по нынешним меркам ресурсы, задействованные на съемках "Бен Гура", выглядят запредельными: в съемках приняло участие более 15 тысяч человек, для которых было сшито около 100 тысяч костюмов! На производство этого почти 4-х часового фильма ушло около года, и это при том, что снимался он в ту эпоху, когда черно-белое кино ещё не отжило свой век, а работать с цветом решались далеко не многие. Безрассудная смелость создателей принесла фильму мировую славу и рекордные 11 Оскаров, каждый из которых абсолютно заслужен. Безусловно, эпохальное кино.